Bedingungslose Liebe


Cobain ist ein Junge der liebt, bedingungslos! Seine Mutter Mia ist noch sehr jung und der 15-Jährige Cobain liebt sie, doch sie trinkt und nimmt Drogen, obwohl sie wieder schwanger ist. Auf welche Art und Weise sie sich selbst und das Kind damit gefärdet ist ihr nicht bewusst...
Der Film beginnt damit, dass Cobain in einem betreuten Wohnen für Jugendliche lebt, daraufhin zieht er zu einer netten Familie, die er in der ersten Nacht jedoch wieder verlässt. Kurz darauf besucht er seinen Vater, zu dem jedoch keine tiefe Verbundenheit zu bestehen scheint. Dieser lebt in einer großen Wohnung mit drei jungen Frauen zusammen, welche dort ihre Zeit mit ihm, wie es früher auch Mia tat, die aber kein gutes Verhältnis mehr zu dem Vater ihres Kindes pflegt. In den Nächten fährt er die Frauen aufgestylt zu einem LKW-Parkplatz und sie verschwinden darauf, für einige Zeit, in den Führerhäusschen der Fahrzeuge. Cobain entscheidet sich aber zu bleiben und beginnt für seinen Vater zu arbeiten und seine ganz eigenen Erfahrungen zu sammeln. Er wirkt im Laufe des Films immer erwachsener und deshalb überrascht es nur ein Stück weit, dass er irgendwann mit Mia in ein einsames Haus zieht und ihr Leben für sie auf die Reihe bekommen will.

"Cobain" überzeugt mit einer interessanten Geschichte, über einen Jungen, der seinen Weg finden muss und dabei unglaublich viel Stärke beweißt! Cobain scheint dabei fast immer zu wissen was er will und steht für seine Überzeugungen und sich selbst ein.

Bas Keizer spielt diese Rolle voller Hingabe und in keinem Moment ahnt man, dass er zum ersten mal vor der Kamera steht. Der Niederländer verleiht seiner Rolle eine beeindruckende Ernsthaftigkeit, die aber durchaus abgewechselt wird von einer Leichtigkeit und Freude, die er in manchen Momenten verspürt und verbreitet.


23.02.18, Mia

„My favorite thing is watching films and my second favorite doing them“

An interview with Aoife McArdle, director of Kissing Candice


After the European premiere of „Kissing Candice“ we met with the lovely director Aoife McArdle for a short Interview. We quite enjoyed the few minutes talking to her learning more about her personal background and her intentions to do this movie.

freie Generation Reporter: What was your inspiration to do this movie?
Aoife McArdle: I really wanted to make an Irish youth movie because I think that a lot of countries have their youth movie but Ireland doesn’t. Although it’s an Irish youth movie essentially it’s an universal story about what it’s like to be young. I wanted to try and really emerse the audience, and show them how it feels like to be a young person with all the madness and fears, dreams and fantasies and dangers of being young. I wanted to pull the audience into how that really feels rather than sit back and look at it from afar. So, that was basically the idea behind the film. The story was inspired by my own youth, my friend’s youth, my family, by the place I’ve come from, dark stories I’ve heard and researched.

fGR: Where do you come from exactly?
McArdle: I come from the area where the film is set, which is right on the border between the North and the South. Both of my parents are from there, so I spent a lot of my childhood there. And then I spent some of it in the North of Ireland as well -so, between those two areas. The travels was a big part of my outbringing and everyone’s outbringing but it was a small part too because we were too busy being a young person, so that was the backdrop.

fGR: Did you built characters around people you knew from your childhood?
McArdle: Absolutely! I mean Candice is probably a combination of one of my best friends, my sister and me. I think there is just about a bit of all of us in her. So, definitely she is an invention of those people. And then there is Jacob, inspired by different first loves of mine, as well. I think you have to be your story’s personal, so it has that immediate quality to it.

fGR:The World premiere already was in Toronto. How different was it this time at the European premiere?
McArdle: I think that it was really exciting and wonderful. We had a great reception and a packed audience and so on but for me, as a filmmaker, the European audience is more my audience. All my favorite filmmakers, apart from a couple, are like German, Italien and French. So, we just happened to finish the movie at that time I mean I enjoyed Toronto but for me Berlin is more about personal achievement because I really love this festival.

fGR: Are you going to watch other movies at the Berlinale?
McArdle: Definitely! I already saw Cobain yesterday, which I really enjoyed. 22nd of July today, which was so heavy and fantastic as well. I’m gonna go watch Transit and Profile. I’ve got a big schedule of films I’m going to watch and I’m staying till Friday, so I can see everything. My favorite thing is watching films and my second favorite is doing them.

fGR: When did you know that Ann and Ryan were the perfect fit for your lead characters?
McArdle: I mean there was a huge search for both of them. I must have met every female actress and young street cast actors, theater actors, film actors. I actually met Ann quite early on, and she stayed in my mind because she just had these certain parts of the character completely in herself. And then I went through everyone I could meet and I came back to her and I was like “no, she’s the girl“. Then we rehearsed, and she just really became the character. I mean, no one is going to have all the qualities that you have in your head, but then once you rehearse and work together, you make that character work. She is a wonderfully talented actress, too, so that helps.

fGR: We really fell in love with your music. We thought that it really suited the scenes. Did you choose it all by yourself?
McArdle: Yeah, I mean when it came to the tracks like the actual artist tracks, I mean there is John Hoppkins in there whom we have collaborated with. Then there is a lot of my favorites like Nancy Sinatra. And then a collaborator of mine through other work, John Clark. Actually, this is the first score he has done, so the score in between the tracks was by him. He is a young composer. So, we worked on it together and that kind of created that heavy melo-drama of being a kid, and you know the madness of it through the music.

fGR: How long did it take to do the whole movie?
McArdle: Well, this is the thing, we had a very short shoot because we didn’t have a big budget, so we had to shoot really fast. It wasn’t actually two years ago it was a year and a half ago that we shot it, but then I spent a year just working really hard on the visual world of it to make it what it was in my head. We couldn’t capture all that with the lense or fully in camera because we didn’t have the amount of money. There was a lot of lighting and great art direction, and we did as much as we could. In the end we had to work very heavily on it in post to make it as cohesive as it ended up being.

fGR: What did the fishing scene symbolize?
McArdle: Again, I think that it’s just that sort of brutality of the area really. I mean all the animals in there are very vulnerable. Fishes, for instance, are very vulnerable creatures like she is . This creature (meaning the fish) just sort of gets pommeled by someone who is bigger and more powerful. The way these teenagers are is so intense, and you have these experiences that are quite startling. So, it’s one of those moments. Really sort of an awakening mental brutality of the world.


Thank you for this interview.

23.02.2018, Vivien Krüger & Moritz Palma

Die verlorene Jugend Dänemarks

For English Version

In der Lounge vom CinemaxX treffe ich den dänischen Filmemacher Kasper Rune Larsen zu einem Interview. Er hat mit seinem Film „Denmark“ zum diesjährigen Generation 14+ Programm beigetragen.
An den Tischen um uns herum sitzen junge und alte Menschen, trinken, diskutieren und lachen. Kasper setzt sich zu mir an den Tisch. Er sieht müde, aber glücklich aus. Sein Gesicht ist hinter dem roten Bart, der Brille und seiner Käppi beinahe versteckt. Als er sich nach vorne beugt um seine Flasche Wasser zu öffnen, blitzt ein Tattoo an seinem Handgelenk auf. Als wir anfangen zu Reden dämpft sich scheinbar die Geräuschkulisse um uns herum.
Kaspers dänisch ist umgangssprachlich und er antwortet sehr direkt auf meine Fragen.

Für mich als junge Dänin war es sehr schön deinen Film zu sehen, weil du auf eine sehr natürliche Art über die dänische Jugend erzählst. Worum geht es für dich in „Denmark“? Es geht ja darum irgendwie verloren zu sein, sich nicht aufraffen zu können und nicht die Möglichkeiten zu ergreifen, die man geboten bekommt. Und dann gibt es ja diese Ereignisse auf die man im Laufe des Lebens trifft erste große Liebe, Herzschmerz und so weiter. Es geht darum in einem Prozess zu sein in dem man sich verändert und anfängt die Welt mit anderen Augen zu sehen.

Dein Film wirkt zuweilen fast dokumentarisch. Warum hast du dich für diese dokumentarischen Element - wie zum Beispiel die handgehalten Kamera - entschieden?
Um so viel Authentizität wie möglich zu schaffen, das Erlebnis real zu gestalten und um diese ganzen filmischen Wirkmittel, die wir oft verwenden, irgendwie abzupellen. Um alles einfach ganz clean zu haben und auf Augenhöhe mit den Schauspielern zu sein.

Die Dialoge in deinem Film sind sehr natürlich. War das alles nach Drehbuch gespielt oder auch improvisiert? Joa, also unser Drehbuch war 11 Seiten lang. Er lacht Der Rest ist alles improvisiert und in der Situation entstanden.

Kameratechnisch ist mir aufgefallen, dass es sehr viele Nahaufnahmen der Gesichter gibt. Hat das einen bestimmten Grund? Ja schon, wenn wir zwei uns unterhalten, dann schauen wir in unsere Gesichter, oder? Und es ist dieser Bereich - Kasper zeichnet mit den Händen ein Viereck um sein Gesicht – was im Fokus ist, ne? Die Kamera ist ja eigentlich wie ein stummer, extra Schauspieler der den Rollen folgt. Deshalb war es mir wichtig, dass die Bilder der Kamera die selben sind, die wir im Alltag wahrnehmen.

Warum heißt dein Film „Denmark“? Als ich diesen Film geschrieben habe waren gerade Wahlen in Dänemark und die Sozialdemokraten hatten eine Kampagne, die hieß „Das Dänemark, dass du kennst“ und dann habe ich gedacht: das hier, das ist das Dänemark, dass ich kenne. Ich wurde dann stark dafür kritisiert den Film so zu nennen, habe es aber dabei belassen.

Wenn an die Zeit du zurück denkst, als du Teeneger warst und das mit heute vergleichst, wo liegt der größte unterschied?
Soziale Medien! Das ist ja irgendwie was die Jugend unsere Zeit kaputt macht.

"Da ist bestimmt was wahres dran", sage ich und werfe einen Blick auf mein Handy, dass auf dem Tisch liegt.

Weißt du, wenn mich die Leute hier fragen „whats your film about“ und ich antworte „its about the lost Youth in Denmark“, dann lachen die Menschen. „Es gibt doch keine verlorenen Jugendlichen in Dänemark. Ihr habt das Wohlfahrtsystem und Alles“ Aber es geht es in meinem Film auch darum in einem System verloren zu sein, in dem du alle Möglichkeiten hast. Wie kann es sein, dass es ein freies Bildungssystem gibt und dich der Staat finanziell unterstützt, du aber trotzdem keine Lust hast dich auszubilden? Das versuche ich in meinem Film zu behandeln.

Wir reden noch eine Weile über dies und das und werden uns einig das die Berlinale ein Herzens-Festival ist, dann bedanke ich mich für das Interview und mache mich auf den weg.

„Ich geh jetzt mal rüber ins Pressezentrum und stelle meine Kritik zu deinem Film online.“, sage ich.

„Schreib was nettes!“, sagt Kasper lachend und verlässt mit federnden Schritten die Lounge.


23.02.18, Liv Thastum



Denmarks lost Youth


In the lounge of the CinemaxX I meet the danish filmmaker Kasper Rune Larsen for an interview. He has contributed to this year's Generation 14+ programme with his film "Denmark". At the tables around us, young and old people are drinking, discussing and laughing. Kasper takes the seat next to me. He looks tired, but happy. His face is almost hidden behind the red beard, the glasses and his. As he bends forward to open his bottle of water, a tattoo flashes on his wrist. As we start to talk the background noises around us slowly disappears. Casper's Danish is colloquial and he answers very directly to my questions.

For me as a young Danish girl it was very nice to see your film, because you tell aout the danish Youth in a very natural way. What is your film "Denmark" about?
It's about being lost somehow, not being able to get yourself together and not being able to take the possibilities that you are offered. And then there are these events that you run into in the course of life.. meeting your first big love, heartbreak and so on. It's about being in a process of change and starting to see the world with different eyes.  

In some ways your film seems almost like an documentary. Why did you choose those documentary elements like, for instance, the hand-held camera?
I did so to create as much authenticity as possible, to create a real experience and to make the whole story as natural as possible.To get rid of those cinematic means we often use. To keep everything clean and to be on equal footing with the actors.  

The dialogues in your film are very natural. Was it all based on screenplay or were some parts improvised?
Yeah, so our script was 11 pages long. Kasper laughes The rest is all improvised and developed in the situation

About the camera, I noticed that there are many close-ups of faces. Is there a particular reason for that?
Yeah, well, if we two talk we look in our faces, right? And it's this Area – Kasper rises his hands and draws a square around his face - which is in focus, right? You know, the camera is actually like a silent, extra actor following the protagonists. I think it is important that the camera images are the same as those we perceive in our everyday life.  

Why is your movie called „Denmark“?
When I wrote this film, there were elections in Denmark and the Social Democrats had a campaign called "The Denmark you know" and then I thought: this, this is the Denmark I know. I was then strongly criticized for giving the movie that name, but I didnt changed it.

When you think back to when you were a teenager and compare that with todays Youth, what do you think is the biggest difference?
Social media! That's kind of what destroys the youth of our time.

Yeah, there might be something true about that, I say, and look at my cell phone laying on the table.

You know, when people here at the Berlinale ask me "whats your film about" and I answer "its about the lost Youth in Denmark ", they laugh. "There's no such thing as a lost youth in Denmark. You have the welfare system and everything "
But my film is also about being lost in a system where you have so many opportunities. How can it be that there is a free education system and the state offers you financially supports, but you still don't want to educate yourselfe? That's also what I'm trying to do deal with in my film.

Kasper and I talk about this and that for a while and we agreeon that the Berlinale is a festival of hearts. Then I thank him for the interview and am get up.
"I'm gonna go over to the press center and post my review of your movie now" I say.

"Write something nice," says Kasper, laughs and leaves the lounge with light steps.

23.02.18, Liv Thastum

Inside Ireland


Epilepsie ist ein Thema, das nicht all zu oft in Filmen behandelt wird. Zumindest nicht auf jene subtile Art und Weise wie in Kissing Candice. Der Regisseurin Aoife McArdle gelingt es, die Krankheit der Hauptdarstellerin geschickt in die Handlung einzuflechten, sie jedoch gleichzeitig nicht zum Hauptgegenstand ihres Films zu machen. Vielmehr vermittelt sie einen Eindruck über die Lage im Norden Irlands. Der Zuschauer verfolgt den Alltag eines jugendlichen Mädchens namens Candice und wird unmittelbar in das Geschehen hineingesogen. Der fiktiv anmutende Spielfilmcharakter ist an dieser Stelle positiv hervorzuheben, da eine bloße Dokumentation der vorherrschenden Situation nicht gerecht würde. So fühlt sich das Publikum viel näher am Leben der Menschen und übernimmt nicht nur die Rolle eines passiven Beobachters.

Die Handlung wird neben einer Liebesgeschichte und wunderschönen Landschaftsbildern immerzu von den düsteren Machtspielchen einer in dem Ort ansässigen Gang kontrastiert. Bewohnern wird gedroht, Kinder eingeschüchtert, Häuser in Brand gesetzt und wahllos Opfer gesucht. Hinzu kommen die unwirklichen Traumweltsequenzen, die bei Candice entweder während ihrer Anfälle oder durch ihre Medikamente hervorgerufen werden. So ist der Zuschauer nie hundert prozentig sicher, was Realität und was Halluzination ist.

Stilistisch spielt McArdle mit vielen Close-ups und Spieglungen, beziehungsweise Reflexionen. Diese unterstützen symbolisch die Wahrnehmung Candices’ verschwommener, unwirklicher Welt. Ebenso verstärkt die Auswahl der Musik, die auf McArdles frühere Arbeit als Musikvideo-Regisseurin schließen lässt, diesen Eindruck. Kontinuierlich passt sich der Soundtrack dem Befinden der Protagonistin an und lässt manche Szenen wie ein Musikvideo wirken.

Tiere verwendet McArdle bewusst als Metaphern für das animalische Leben der Bewohner. Wie in Szenen, in denen ein Hund in eine Waschmaschine gesteckt wird oder Fische in Großaufnahme totgeschlagen und ausgenommen werden. Eine andere Sequenz, die mir besonders gut in Erinnerung geblieben ist, zeigt Candice beim Abendessen mit ihren Eltern wie sie animalisch - fern von jeglichen Tischmanieren - mit den Händen isst. Sie reißt das Fleisch mit ihren Zähnen von der Keule, Fett tropft ihr von den Lippen, übers Kinn, beim Trinken bekommt sie einen Milchbart. Es ist diese Brutalität und diese düstere Realität, von der die Protagonisten tagtäglich umgeben sind und die sie unbewusst so sehr beeinflusst, dass sie sie so handeln lässt. In ihrer Verzweiflung, diesem schrecklichen Alltag zu entfliehen, flüchten sich die jungen Leute in den Nikotin- und Alkoholrausch. Fantasie und Wirklichkeit verschwimmen mehr und mehr. So bleiben die Zuschauer auch am Ende im Unklaren darüber, ob die letzte Szene Einbildung war oder nicht.

Ein sehr intensiver und ehrlicher Film.



Vivien Krüger, 22.02.18

Interview "What Walaa Wants"


After one of the screenings Johanna and I interviewed Christy Garland, Walaa and Ekram Zubaydi.
It was an interesting film and I would really recommend you to watch it!
Walaa's answers were translated by Ekram, who was with them for a longer time and also involved in the project.


fGR: So first of all: Thank you for this very interesting film! And I wanted to ask you (Christy Garland) how you conceived this idea?
CG: It started with the idea of doing a film about anything political and I always start my films with the “who” not the “what”. There are a lot of documentaries you see which are about subjects but I always start by wanting to make a film about an interesting person. All my films follow people very closely and it’s always a very personal story. It’s the journey which they go through. From the most intimate perspective as I can and I try to see the world through their eyes. An important thing is that everything we see (at the Westbank) is always as much as possible through Walaas’s perspective.

fGR: How did you shoot? Was it mostly just you with the camera following around?
CG: It was always me.

fGR: So I guess it makes it much easier? At least a bit…
CG: Yeah… Sure I was annoying with the camera, but after a while they forgot about me. Especially when you are shooting for a long time. So it does make it possible. The more you bring other people in the more they shut up and no one is comfortable. So you’re exactly right about that.

fGR: And how long were the periods during which you were shooting each year?
CG: They varied actually. First time I went I was there for a long time, but I only met Walaa in the last 3 days. Second time (in 2013), when she was turning 17, I went there for two weeks. She applied to the PSF in 2014 and 2015 was the training camp. And the last shoot I did was just a few weeks ago.

fGR: And did you stay the whole time for the training camp?
CG: I was actually editing another film, which was created in an east European workshop. So I was flying to the Westbank on the weekends. I went there four times, from beginning of August until November. And I did stay 10 days for one time.

fGR: One question for you (Walaa). Was it strange when she asked you to film a movie about you and your life?
Walaa: At the beginning I refused the idea that someone follows me with a camera. To be honest, in our society in Palestine normally we don’t accept cameras. And especially when it's connected to female women. Can you imagine a camera following a girl with a hijab? Normally our culture and the society doesn’t accept this kind of work. But after thinking about this I said: “No, I will do it.” My family and especially my mother was supportive and she loved the idea of Christy making a film about us. To be honest, at the beginning it was annoying, it was difficult for me to accept the camera and someone following me all the time. But: “Thank God that we made this film!”

fGR: We are very glad, that you decided to make this movie!
And another question: How did the people react when you were followed by the camera?
Walaa: Some people were surprised, they felt curious. They asked: “What is Christy doing with Walaa?”. But some people acted normal, they didn’t care about the camera. And for example my aunt always tried to avoid the camera.

fGR: And what are your goals as a policewoman? Especially when you’re maybe having kids in the future.
Walaa: My goal is to improve my work at the PSF and achieve a higher rank at the PSF. And the normal working-time is not a problem, I can still have a family. If I have a family, they will help me to organize my life.

fGR: So, a question for you both – how did you meet and how did you end up working together for so long? (to Christy and Ekram Zubaydi)
CG: She needs to answer this question every time… (laughs) Actually I worked with this game-girl workshop which had contacted her through the “Palestinian Center for Peace and Democracy”. But I didn't met her there and then she was no longer working with them and I got bored with that workshop, because it was just a lot of girls starring at computers. Even though it was nice, it was a wonderful workshop! But it wasn’t that interesting for a film-maker. That's why I asked some people where some interesting stories are. We got in touch and sort of started to hang out because of this and then, when I met Walaa, I called her and she was essential in telling them that I can be trusted. And she’s been with us ever since…!
The film could not have been made without her… Not only because she speaks two langauages. But they trusted her, so they trusted me.

EZ: To be honest I’m a social activist, I’m a political activist and I’m a feminist too! So when I met Christy and she told me about the story I was interested. I’m working with young people so I thought the story would be a great story for international people to know more about Palestine! And it’s important to have a good example for other young people and to give them the hope, that you can achieve your dreams! It’s not easy to live under occupation, so I found that this story is a part of our story – the story of the Palestinian people. So I was supportive and I loved it!
fGR: One last question – how do you want to spread this great movie?
CG: We will have a North American premiere, we are waiting to find out when that will be and where that will be. I will just try to travel with it as far and wide as I can! And we will take Walaa to as much places as possible, because I think she is a great ambassador!

fGR: Thank you so much for the movie and the interview!
22.02.18, Mia

Zwischen Traum und Wirklichkeit

For English Version

eine Kritik zu Kissing Candice

Die erste und letzte Szene in „Kissing Candice“ sind fast identisch: Candice sitzt mit einem jungen Mann im Auto, man sieht Straßenlaternen, die hinten am Horizont verschwimmen. Der einzige Unterschied ist der Farbton der Szene - während der Anfang in einem satten und warmen Rotton zu sehen ist, ist das Ende dunkel und kalt.

In „Kissing Candice“ geht es um die 17-jährige Candice, die in einer Kleinstadt in Nordirland lebt. Durch ihre Epilepsie bedingt bekommt Candice immer wieder Anfälle, bei denen sie immer von dem gleichen Jungen träumt. Allerdings spielt die Krankheit im Film keine relativ große Rolle, es geht viel mehr um das Entfliehen Candices aus der Wirklichkeit. Denn auch wenn der vermeintliche Junge aus ihren Träumen plötzlich auch im echten Leben auftaucht, projiziert sie die Situationen ihrer Träume nur auf die Wirklichkeit.

Die Regisseurin Aoife McArdle, die vor ihrem Debütfilm auch an der Produktion von Musikvideos beteiligt war, gestaltet auch „Kissing Candice“ sehr künstlerisch. Währenddessen Candice Traumszenen in dem erwähnten vollen Rot zu sehen sind, sind die Szenen des echten Lebens sehr dunkel und kalt. Im Kontrast dazu werden zwischendurch außerdem immer wieder Nahaufnahmen der Natur in satten Farben gezeigt, was den Alltag der Jugendlichen in der Kleinstadt noch kahler erscheinen lässt. Auch die Musik passt sehr zu der künstlerischen Machart, die dumpfen Bässe, die in den Alltagsszenen zu hören sind, werden in jedem von Candice Träumen auf einmal ganz klar.

„Kissing Candice“ porträtiert das Leben von aufwachsenden, die gelangweilt sind von ihrem täglichen Leben und verschiedene Wege gewählt haben, um der Stille und Eintönigkeit des Ortes zu entkommen. Während sich Candice auf ihre Traumwelt stürzt sorgt eine Bande von jungen Männern dauerhaft für Aufruhr in der Kleinstadt, sie zerschmeißen Fenster, stehlen, entführen Bürger. Und auch wenn beide Arten unterschiedlicher nicht sein könnten sind es nur doch beides Versuche etwas Spannung oder Reiz in ihrem Leben zu haben.

Die Darsteller der Figuren schaffen es diese Gefühle der Ziellosigkeit zu verkörpern, und vor allem Ann Skelly bringt die Distanz und Ferne von Candice zu ihrem Umfeld sehr sehenswert auf die Leinwand.

Auch wenn der Film mit seiner Thematik von Jugendlichen, die durch Langeweile und einen problematischen Hintergrund einen „falschen“ Weg einschlagen, sicherlich eine wichtige Aussage hat, fragt man sich während des Filmes oft nach der Bedeutung von einzelnen Szenen. Durch das Spiel mit den Farben und auch vielen interessanten Einstellungen ist der Film phasenweise sehr schön mit anzusehen, allerdings hat er mit seinen knapp 100 Minuten auch sein Längen und viele Szenen, die nicht komplett verständlich sind.

„Kissing Candice“ ist keinesfalls ein schlechter Film und auch im Publikum gab es viele, die sehr begeistert waren und grade die „Genialität“ künstlerische Machart im Gespräch hervorgehoben haben. Für mich wird es aber wohl einer dieser Berlinalefilme sein, die es jedes Jahr gibt - die beim Schauen etwas komisch, anstrengend und nicht ganz verständlich sind, aber trotzdem eine starke Aussage haben und in ihrer eigenen Art sehr überzeugend sind.

22.02.2018, Clara Bahrs



Dream and Reality


The first and last scene in "Kissing Candice" are the same: Candice is sitting in the car with a young man, you can see street lamps blurring at the back of the horizon. The only difference is the color of the scene - while the beginning is shown in a rich and warm red, the end is dark and cold.

"Kissing Candice" is about 17-year-old Candice, who lives in a small town in Northern Ireland. Due to her epilepsy, Candice gets seizures sometimes, in which she always dreams of the same boy. But the epilepsy actually isn't that important for the film, it's much more about Candice escaping from reality. Even if boy from her dreams suddenly appears in real life, she only projects the situations of her dreams onto reality.

The director Aoife McArdle, who was also involved in the production of music videos before her debut film, also did "Kissing Candice" very artistically. While Candice dream scenes can be seen in the above-mentioned full red, the scenes of real life are very dark and cold. In contrast to this, also close-ups of nature are often shown in rich colours, which makes the young people's everyday life in the small town seem even more bleak. The music is also very much in tune with the artistic style, the dull basses that can be heard in everyday scenes become clear in every one of Candice's dreams.

"Kissing Candice" shows the life of young people who are bored of their daily life and have chosen different ways to escape the silence and monotony of the place. While Candice rushes into her dream world, a gang of young men cause permanent turmoil in the small town - drinking, smashing windows, stealing, abducting people. And even if both could not be more different, they just want to escape from reality.

The actors play the aimlessness very well and especially Ann Skelly brings the distance from Candice the the world very convincingly on the screen. Even if the film with its theme of young people who, due to boredom and a problematic background, have taken a "wrong" way has an important message, there some scenes you don't really unterstand the meaning. Due to the interplay with the colours and many interesting settings the film is very nice to watch, but with its almost 100 minutes it also has its lengths and many scenes which are not completely understandable.

"Kissing Candice" isn't a bad film and there were also many people in the audience who were pretty impressed and have emphasized the genius of artistic creation in conversation. For me, however, it is one of those Berlinale films that you can find every year - which are a bit strange and unintelligible while watching them, but still have a strong message and are convincing in their own way.

22.02.2018, Clara Bahrs

Grauer Zigarettenrauch, nackte Körper und eine große Lüge


For English Version

Der Film "Denmark" porträtiert in mutigen Bildern die dänische Jugend und ihre Suche nach einer eigenen Identität.

Josephine + Norge, Norge + Josephine - „Denmark“ erzählt keine kitschige Liebesgeschichte, sondern gibt eine realistischen Einblick in eine Beziehung, die nie als solche definiert wird. Doch im Grunde geht es in Kasper Larsens Film mehr um das Porträt einer Jugend, als um die präsentierte Geschichte zwischen Norge und Josephine. Wir bekommen Einblick in die dänische Jugendsprache und Umgangsform, hören welche Musik aktuell ist, verstehen die Probleme, die die Jugendlichen beschäftigen und erahnen welche Träume und Wünsche sie für die Zukunft haben. Ich als junge Dänin kann mich stark mit den Charakteren identifizieren und werde durch kleine Details, die voller Wahrheit stecken zum lachen gebracht.

Die dänische Direktheit und ein harscher Humor verleiht diesem Film Authentizität und füllt den Raum, den das handlungsarme Skript freilässt. Kasper Larsen bedient sich bewusst einer handgehaltenen Kamera und verleiht seinem Film dadurch Realitätsnähe. Oft folgt die Kamera den beiden jungen Menschen in, auf den Nacken und Gesicht gerichteten Nahaufnahmen. Die Bilder von nackter Haut und lebendigen Augen schaffen eine persönliche Nähe zu den Charakteren. Sympathisch und unperfekt wie dieser Film sind auch die Beiden Hauptdarsteller, die mit ihrer charmanten Art den Film tragen.

„Denmark“ überzeugt durch seine unaufdringliche, unspektakuläre Art. Dieser Film will nicht schockieren, belehren oder beeindrucken, sondern realitätsnah widerspiegeln wie es sich anfühlt jung zu sein. So steht am Ende das Bild einer unperfekten Jugend, die auf der Suche nach einer eigenen Identität nicht aufhört zu kämpfen und zu träumen.


22.02.18, Liv Thastum




cigarette smoke, naked bodies and a big lie


In courageous pictures the film Denmark portrays the Danish youth and their search after a own identity.

Josephine + Norge, Norge + Josephine - "Denmark" does not tell a cheesy love story, but gives a realistic insight into a relationship that is never defined as such. But actually Kasper Larsen's film is more about the portrait of a youth than about the presented story about Norge and Josephine. We get an insight into the language of the Danish youth, listen to the current music, understand the problems that concern the young people and get able to guess what dreams and wishes they might have for the future. As a young Dane, I can strongly identify with the characters and am amused by small, truthful details.

The Danish directness and a harsh sense of humour gives authenticity to this film and fills the space which is left free by the simple script. Kasper Larsen deliberately uses a hand-held camera to bring his film closer to reality. The camera often follows the two young protagonist in close-ups directed at their necks and faces. The images of naked skin and lively eyes create a personal closeness to the characters. Friendly and imperfect like this film, the two leading actors carry the movie with their charming way.

„Denmark“ convinces with its unobtrusive, unspectacular manner. This film doesn't want to shock, teach or impress, but rather reflect the reality of what it feels like to be young. The result is the image of an imperfect youth, who never ceases to fight and dream while searching for an own identity.
22.02.18, Liv Thastum

Golsa rennt

Eine Kritik zu Dressage

For English Version

Hysterisch lachend beginnt der Film. Golsa und ihre Freunde haben soeben einen Kiosk ausgeraubt, dabei auch noch den Mitarbeiter niedergeschlagen und rasen nun mit dem Auto zu ihrem Unterschlupf davon. Doch schon bald fällt ihnen auf, dass sie vergessen haben, die Aufnahmen der Überwachungskamera mitzunehmen. Schnell spaltet sich die Freundschaft, als Schuldzuweisungen erhoben werden, um denjenigen zu bestimmen, der zurück zum Tatort muss. Keiner will sich dem Risiko hingeben, also stimmen sie „demokratisch“ ab. Golsa setzt sich standhaft zur Wehr, muss in diesem Fall allerdings den Kürzeren ziehen.
Von da an ordnet sie sich nicht mehr unter. Sie besitzt den Überwachungsfilm und beharrt auf ihrem Standpunkt, obgleich ihr alles genommen wird. Sie beginnt an ihren Freunden zu zweifeln und versucht, mit den Schuldgefühlen, die durch den Überfall bei ihr verursacht werden, umzugehen.

Dressage beeindruckt durch die unglaublich starke Persönlichkeit der Protagonistin. Allem Unrecht zum Trotz bleibt Golsa standhaft und gibt nicht nach. Selbst als ihr nach und nach alle Rückzugsorte genommen werden, verrät sie nicht, wo sich der Film befindet.
Die Ungerechtigkeit ihrer Lage ist zermürbend. Durch ihre stärkere Machtposition sind die anderen Beteiligten des Überfalls in der Lage, auf Golsa Druck auszuüben und ihre Eltern in den finanziellen Ruin zu treiben bei dem Versuch, sie zum Handeln zu zwingen. Während des Films kann man nur ungläubig den Kopf schütteln, wenn man nicht vor lauter Wut und Frustration die Tränen in die Augen bekommt.

Der Film lebt von Szenen, in denen Golsa rennt. Sie rennt, um rechtzeitig beim Pferdestall und wieder zurück zu sein, bevor die Eltern merken, dass sie sich ihren Regeln widersetzt. Sie rennt vor ihren ehemaligen Freunden davon, die sie ständig nach dem Film fragen und sie drangsalieren. Sie läuft weg, wenn die Eltern versuchen, sie auf den Diebstahl und das Herausgeben des Films anzusprechen. Sinnbildlich könnte dies als ein Wegrennen vor Normalisierung und Anpassung aufgefasst werden. Es findet wenig Konversation auf verständnisvoller Ebene statt. Überall stößt Golsa auf Mauern und Unverständlichkeit.

Dennoch erscheint sie durch das Wegrennen nicht schwach. Im Gegenteil, das beharrliche Festhalten an ihrer Position zeugt durch die Aussichtslosigkeit der Situation von einer Stärke, die eine große Verbundenheit zu ihrem Charakter schafft. Dies wird komplementiert von der Kameraführung, die ausdrücklich sie, ihre Mimik und ihre Wahrnehmung in den Fokus rückt. Bald muss sich allerdings auch der Zuschauer resigniert eingestehen, dass eigentlich nur eine Lösung denkbar ist.

Dressage zieht einen in seinen Bann, schafft eine tiefe Verbundenheit zur Hauptperson und vermittelt ein Gefühl der tiefen Frustration. Der Film ist gut durchdacht, nachvollziehbar und emotionsgeladen. Auf das einzig mögliche Ende kommt der Zuschauer im Verlauf des Films selbst, was nicht weniger betrübt.
Tatsächlich ist es im Nachhinein schwer zu sagen, wie eigentlich die Musik war oder andere stilistische Merkmale zu nennen, da die Emotionen den bleibendsten Eindruck hinterlassen haben. Betrübt ob dieser Ungerechtigkeit hat mich der Film zurückgelassen, doch auch bleibend beeindruckt und bewegt.

21. Februar 2018, Sarah Gosten


Golsa Runs


The film begins with hysterical laughs. Golsa and her friends have just robbed a kiosk, knocked down the employee and are now racing off to their shelter by car. But they soon realize that they forgot to take the footage from the surveillance camera with them. Soon friendship splits when accusations are raised to determine who has to go back to the scene of the crime. No one wants to take the risk, so they vote “democratically”. Golsa steadfastly defends herself, but in this case she has to lose out.
From then on, she will not submit. She owns the surveillance film and insists on her point of view, although everything is taken from her. She starts to doubt her friends and tries to deal with the feelings of guilt caused by the robbery.

Dressage impresses with the incredible strong personality of the protagonist. Despite all the injustice, Golsa remains steadfast and does not give in. Even as all the places of retreat are gradually taken away from her, she does not reveal where the film is.
The injustice of her situation is gruelling. Through their stronger position of power, people are able to put pressure on Golsa and drive her parents into financial ruin in an attempt to force her to act. During the film you can only shake your head in disbelief if you do not get tears in your eyes out of anger and frustration.

The film lives from scenes in which Golsa runs. She runs to be at the stable in time and back before her parents realize she is breaking their rules. She runs away from her former friends, who keep asking about the film and harassing her. She runs away when her parents try to talk to her about stealing and releasing the film. This could be seen symbolically as running from normalisation and adaptation. There is little conversation on an understanding level. Golsa encounters walls and incomprehensibility everywhere.

Nevertheless, she does not seem weak for running away. On the contrary, the persistent adherence to her position testifies to a strength that creates a strong bond with her character. This is complemented by the camera work, which explicitly focuses on her, her facial expressions and her perception. Soon, however, the viewer will have to concede with resignation that there is only one possible way out.

Dressage captivates, creates a deep attachment to the protagonist and conveys a feeling of deep frustration. The film is well thought through, comprehensible and emotionally charged. The only possible end comes to the viewer in the course of the film itself, which is no less distressing.
In fact, it is difficult to say what the music was like or to name other stylistic features, because the emotions left the most lasting impression. The film has left me saddened by injustice, but it has also left me deeply impressed and moved.

21st February 2018, Sarah Gosten

"Er ist aber auch mein Freund. Ihr seid beide meine Freunde."

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Dikkertje (Liam de Vries) könnte kaum glücklicher sein. Jeden Tag geht er in den Zoo und spielt mit seinem Freund, der Giraffe Raf, die am gleichen Tag wie er selbst geboren wurde. Doch mit ihrem gemeinsamen vierten Geburtstag ändert sich auf einmal alles. Denn Dikkertje geht nun in die Schule und Raf bleibt im Zoo. Es folgt eine lehrreiche Zeit für die beiden, in der sie eine Menge über die Liebe und Freundschaft lernen. Wenn dein bester Freund auf einmal einen neuen Freund hat, was wird dann aus dir? Kann es überhaupt mehr als einen Freund geben?

Barbara Brederos neuester Kinderfilm „Dikkertje Dap“ widmet sich auf Augenhöhe der Kinder den Themen des Älterwerdens. Am Beispiel einer wirklich ungewöhnlichen Freundschaft zeigt sie, wie schnell zwei Individuen sich voneinander entfernen können, obwohl sie doch beide so verzweifelt zusammen bleiben möchten. Anhand von Vierjährigen wird eine Lektion erteilt, der man sich sein ganzes Lebens über immer wieder stellen muss, nämlich der Vergänglichkeit von Freundschaft. Manchmal werden zwei Freunde durch äußere Umstände voneinander fortgetrieben. Und dann liegt es an ihnen selbst, zu entscheiden, ob sie weiter für die Freundschaft kämpfen wollen.

Genau das macht diesen Film so universell einsetzbar. Für Kinder ist er eine tolle Unterhaltung mit vielen Tieren, lustigen Momenten und einem Happy End. Allerdings wage ich fast zu behaupten, dass am Ende die Erwachsenen die größten Gewinner dieser Komödie sind. Ich für meinen Teil habe mich kaum noch eingekriegt. Die beiden Eltern waren mit ihrer Schusseligkeit ein Brüller für sich, aber vor allem die Anspielungen in den Gesprächen zwischen Dikkertjes Opa und seiner Lehrerin waren herrlich. Gleichzeitig sieht man sich mit einer Thematik konfrontiert, mit der man sich bereits häufiger auseinandersetzen musste und die hier durch die naiven Augen der Kinder so simpel und doch effektiv dargestellt wird. Wer befürchtet, sich zu langweiligen, während die Kinder sich vergnügen, irrt sich gewaltig. Denn Dikkertje Dap ist ein Spaß für die ganze Familie.

Neben einer eigens gefertigten Robotergiraffe setzt der Film auf eher einfache Mittel und besticht mit der charmanten Szenerie des holländischen Vororts. Natur trifft Zivilastion, nicht zuletzt in Form von Raf und Dikkertje. Eine angenehme Auflockerung des diesjährigen KPlus Programmes.

21.02.2018, Johanna Gosten



"But he's my friend, too. You're both my friends."


Dikkertje (Liam de Vries) could not be happier. Every day he goes to the zoo and plays with his friend, the giraffe Raf, who was born on the same day as himself. But with their fourth birthday all of a sudden everything changes. Because Dikkertje now goes to school and Raf stays in the zoo. This is followed by an instructive time for the two of them, during which they learn a lot about love and friendship. If your best friend suddenly has a new boyfriend, what will happen to you? Can there ever be more than one friend?

Barbara Bredero's latest children's film "Dikkertje Dap" is dedicated to the themes of aging at eye level. Using a truly unusual friendship as an example, she shows how quickly two individuals can move away from each other, even though they both want to remain so desperate together. On the basis of four-year-olds, a lesson is given that one has to face up to for the rest of one's life, namely the transience of friendship. Sometimes two friends are driven away from each other by external circumstances. And then it is up to them to decide whether they want to continue fighting for friendship.

That's exactly what makes this film so universally applicable. For children it is a great entertainment with lots of animals, funny moments and a happy ending. However, I almost dare to say that in the end the adults are the biggest winners of this comedy. For my part, I barely got myself in. The two parents were a roar with their scatterbrain, but especially the allusions in the conversations between Dikkertje's grandfather and his teacher were wonderful. At the same time, one is confronted with a subject that has already been discussed more often and which is presented so simply and yet effectively through the children's naive eyes. Anyone who is afraid of getting bored while the children are enjoying themselves is mistaken. Because Dikkertje Dap is fun for the whole family.

In addition to a specially manufactured robot giraffe, the film uses rather simple means and captivates with the charming scenery of the Dutch suburb. Nature meets civil astion, not least in the form of Raf and Dikkertje. A pleasant relaxation of this year's KPlus programme.
21.02.2018, Johanna Gosten

Den danske mester af animationsfilm

- et interview med Jannik Hastrup -

Lige som så mange andre unge i Danmark er jeg vokset op med Jannik Hastrups børnefilm. Alt fra „Bennys badekar“ over „Cykel myggen“ til „Cirkeline“ har været del af min barndom, derfor føler jeg mig meget heldigt at have mulighed for at snakke med Jannik Hastrup efter premieren af hans nye film „Cirkeline, Coco og det vilde næsehorn“, der begejstrede det unge publikum her til Berlinalen. Jannik Hastrup har lavet børnefilm lige siden starten af 60'erne men en lille del inde i ham holder stadig fast i barndomens sjæl. Jannik har en meget beroligende stemme og når han smiler er det som om klangen forandrer sig en lille smule, mens hans blå øjne slå gnister.

Hvad er det egentlig med hende her Cirkeline, hvad er det der gør at du bliver ved med at fortælle historier om hende og hendes venner? 
Det er der jo mange grunde til. Jeg har jo brugt en del år, faktisk lige siden jeg har været helt ung, på at skabe den her familie og hele det her univers, så det er meget let og naturligt at vende tilbage til det igen.

Hvor finder du inspirationen til dine film?
Det hele springer ud af virkeligheden. Det var min første kone Hanne der tegnede Cirkeline og dengang boede vi i et gammelt landhus hvor musene løb rundt om natten og gemte sig, så det var helt naturligt at Cirkelines venner sku være mus. Og da musene så flyttede til storbyen (i „Cirkeline - storbyens mus“) var det fordi jeg også var flyttede til byen og det første jeg så når jeg gik ud på gaden, det var en tyrkisk grønthandlere, og så er det jo klart at hvis musene de går til grønthandleren, så er det en tyrkisk mus der bor der.



Og hvad gav så inspiration til din nye film „Cirkeline, Coco og det vilde næsehorn“? Det var spørgsmålet hvad ville der ske hvis Cirkeline fik en sort veninde? Hvor sku hun komme fra? Cirkeline blev jo født på en tegneres bor, så Cirkelines veninde bor måske på en kakaoæske. Mit barnebarn kalder sig faktisk for Coco, hun hedder noget andet, men hun er også brun i huden, så det var måske lidt der, ideen kommer fra. Men egentlig handler denne film jo om Ingolf og Osvald – det lille næsehorn, der også kommer fra kakaoæsken og leder efter sin mor. Sammen med Cirkeline og sine venner vil de rejse til Afrika. Men Historien om Cirkeline, Coco og Ingolf der er vild med Coco, det jo nok en mindre del af det hele.

Der var jo lidt rod til sidst om det store næsehorn nu var mor eller far, men jeg syntes at det jo egentlig handler om at ha forældre det om det nu er mor eller far, er måske ikke så vigtig. Men den danske producent mente at børn ville ha det dårlig med ikke at vide om det var mor eller far. Hvad tænker du? Spørger Jannik mig pludselig.
Ja men, jeg synes da det er godt at det er kommet med! Børn er jo ikke dumme. Jeg synes godt at man kan gi dem denne her opgave til at tænke over. Svarer jeg.

Hvad var det egentlig der fik dig til at starte med at lave animationsfilm?
Jeg kedede mig i skolen. Nu er jeg jo ikke nogen særlig god læser, men alle de folkeviser og gamle gudesagn dem så jeg som billeder i mit hoved. Så gik jeg ud af skolen og prøvede forskellige håndværk, men så tænkte jeg, næ nu går jeg hjem og finder ud af om jeg kan lave tegnefilm. Og siden har ikke ku finde på andet.


Nu har du lavet hændtegnet animationsfilm i mange år, har den tekniske udvikling haft indflydelse på dine film?
Næ, det har jeg jo ikke rigtig fuldt med i. Det har faktisk slet ikke interesseret mig. Det lidt lige som dengang syntesizern blev opfundet, da opgav Musikerne jo ikke bare deres job fordi man ku skabe lydene elektronisk. Men der har jo nok været en nedgang i de håndtegnede tegnefilm i løbet af årene.

Hvad er det vigtigste element i en børnefilm for dig?
Det er historien. Selvfølgelig er det fint hvis du har et godt design, men det er jo først og fremmest historien børnene lever sig ind i.

Jeg takker Jannik Hastrup for denne spændende samtale, hvor jeg in mellem nærmest glemte at dette var et interview og ikke bare en snak med et hjerteligt menneske. Inden jeg siger farvel tager jeg min biografbillet ud af lommen og lade – lige som så mange børn inden mig – skrive under på den. En autograf af mesteren af animationsfilm – det har ikke alle!

21.02.18, Liv Thastum